Nuestros fotolibros favoritos de 2022

Revista

21 de marzo de 2023

A lo largo del último año, los curadores de fotografía del MoMA y colegas de los Archivos, la Biblioteca y las Colecciones de Investigación se reunieron regularmente para discutir nuevos fotolibros, compartir libros de artistas cuyo trabajo conocíamos bien, junto con nuevos descubrimientos que encontramos por casualidad mientras curioseando en ferias del libro. Encontramos algunos porque fueron producidos para acompañar una exposición, mientras que otros ofrecían la única forma para que el público interactuara con las imágenes reproducidas en sus páginas. Esta lista de 10 libros es el resultado de esas conversaciones: una recopilación de publicaciones extraídas de cerca y de lejos, desde volúmenes delgados hasta grandes cajas de varias partes.

A finales de 2021, el Museo lanzó una celebración anual del fotolibro con nuestra lista inaugural de favoritos. Este año, hemos esperado hasta marzo para compartir nuestra selección, por lo que podríamos considerar títulos publicados durante todo el año calendario 2022. Estos libros ahora forman parte de nuestra colección de la biblioteca y también están disponibles para su compra en la tienda de diseño del MoMA. A continuación, sin ningún orden en particular, le contamos un poco por qué cada uno de estos fotolibros nos llamó la atención.

Este volumen, de la fotógrafa libanesa Rhea Karam, no es un fotolibro en el sentido clásico. Incluye imágenes fotográficas de superficies de ladrillo, cercas de alambre y paredes de cemento que resaltan las formas, colores y texturas que se encuentran en la arquitectura de Nueva York, pero las fotografías se combinan con pasajes de color saturado y vivo. Karam explora el concepto de convivencia en este espacio urbano, donde las personas viven unas junto a otras y en gran densidad, pero sus vidas rara vez se cruzan. En su libro, Karam altera estos planos con páginas cortadas y en ángulo, sugiriendo la posibilidad de interacciones nuevas e inesperadas. Las superficies texturizadas se fusionan, se superponen y convergen en una sucesión de composiciones en capas. Karam está interesado en ampliar la forma en que pensamos sobre los fotolibros: PARALLEL PLANES es tanto un objeto escultórico como un libro.—Michelle Elligott, jefa de archivos, bibliotecas y colecciones de investigación

La primera monografía del fotógrafo y cineasta residente en Los Ángeles Clifford Prince King, Orange Grove, narra el período posterior a su mudanza a un apartamento en East Orange Grove Avenue con Malcolm Márquez, un viejo amigo y colaborador. Orange Grove era un hogar y un refugio seguro para King y sus amigos. Se nos recuerda que el sexo y la intimidad son fundamentalmente colaboraciones y que los dormitorios también pueden ser lugares para soñar y sanar. Como espectadores, somos invitados a su hogar, un espacio doméstico redefinido a través de tiernos y conmovedores retratos de amigos y amantes. El cálido resplandor de las fotografías nos invita a entrar. Nos hacen sentir parte de la narrativa de King, seguros dentro de estos muros de vulnerabilidad, intimidad queer y autoexploración.—Jillian Suarez, Jefa de Servicios Bibliotecarios, Archivos, Bibliotecas y Colecciones de Investigación

“Yo, Justine Kurland, soy una basura. Prospero en el desperdicio estancado de tu fotografía aburrida y autocomplaciente”. Estas son las primeras líneas de texto impresas en la portada del Manifiesto SCUMB de Kurland, en homenaje al panfleto feminista radical “Manifiesto SCUM” de Valerie Solanas de 1967. Mientras Solanas defendía una “sociedad para cortar a los hombres” (SCUM), Kurland defiende la sus libros. Llevando un cuchillo X-Acto a su colección personal de aproximadamente 150 fotolibros de fotógrafos blancos (Brassaï, Edward Weston, Phillip de Lorca, Lee Freidlander, Guy Bourdin, Robert Adams y William Eggleston, por nombrar sólo algunos), Kurland se transforma en algo preciado. objetos de un canon fotohistórico dominado por hombres en una serie de fotocollages. El gesto iconoclasta de Kurland, en el que las imágenes recortadas resurgen como marañas orgiásticas de partes del cuerpo y paisajes llenos de detritos fantásticos, es la última contribución a una tradición dinámica de usos feministas del collage y el montaje que han exigido nuevos modos de mirar.—Caitlin Ryan, asistente curatorial, Departamento de Fotografía

Más que un fotolibro para mirar, Tender Noted de Shala Miller es un fotolibro para sentir, empezando por la tactilidad de la suave cubierta de bolsillo. Una conmovedora meditación sobre el duelo y el deseo, el libro destaca varios proyectos de la práctica multidisciplinaria del artista. Combinando fotografías, fotogramas de películas, anotaciones en diarios, obras de teatro y poesía, el libro está organizado según el principio del eco y sus temas reverberan de principio a fin.

Al reflexionar sobre la muerte de su padre y la indescriptible violencia contra los negros en Estados Unidos, la artista señala: “Simplemente no se dedica suficiente tiempo al dolor de los negros. Y ciertamente no de la misma manera que no sólo se dedica tiempo sino que se gasta demasiado en la peste negra”. A través del movimiento y la pausa, las múltiples voces del libro crean un ritmo ondulante, proporcionando un espacio muy necesario para el dolor, así como para la alegría y la resiliencia. La vulnerabilidad es el estribillo del libro, como se ve en obras como Eco, una cuadrícula de fotogramas muy recortados de la boca del artista pelando la delicada piel de una uva, o los bordes rojos del lomo del libro, en alusión a los misteriosos arañazos en la piel del artista. piel, un fenómeno que Miller se propone investigar. El proceso revela una canción de amor rica en capas para la familia, el cuerpo y la memoria, una canción que vale la pena escuchar una y otra vez.—Tasha Lutek, especialista en colecciones, Departamento de Fotografía

La ciudadela de Mame-Diarra Niang, que consta de tres publicaciones perfectamente impresas y guardadas en un estuche en relieve, se extiende a través del espacio psíquico y físico, aprovechando las vistas como medio de exploración interna. A través de las perspicaces composiciones de Niang, a menudo desprovistas de humanos pero densamente pobladas, deambulamos por las desoladas afueras de Dakar, nos detenemos en las superficies de la ciudad propiamente dicha y luego nos sumergimos de cabeza en la agitación de la vida urbana en Johannesburgo.

Estas rutas no son estudios fotográficos convencionales de la tierra, sino que sirven como una meditación sobre lo que el fotógrafo ha llamado “la plasticidad del territorio”: una consideración del paisaje que produce la articulación del yo. Como ha dicho Niang: “La ciudadela es un lugar utópico; es como un almacén o biblioteca para mis pensamientos. Mi cuerpo es un lugar en el que estoy condenado a sentirme como una presencia, es para escapar de él que existe la ciudadela. Es un cuerpo sin cuerpo... Los invito a este espacio vacío. Cómo ves el paisaje es cómo te ves a ti mismo: es tu forma, tu representación de ti mismo, como un espejo”.—Oluremi C. Onabanjo, curadora asociada, Departamento de Fotografía

En la portada del fotolibro de Moe Suzuki, nacida en Japón, hay una sutil alusión a la naturaleza de su proyecto: una imagen desenfocada en azul y dorado que pide definición. Sokohi es un término japonés centenario que se traduce como "sombra en el fondo", una descripción común del glaucoma. Tomando el diagnóstico de glaucoma de su padre como punto de partida, Suzuki documenta los paralelos de su vida compartida: lo que ella puede ver y que se le escapa a él, y lo que los ojos de su padre podrían percibir y que ella no puede.

Publicadas en un volumen encuadernado en espiral, las fotografías a sangre completa son dípticos de lo cotidiano: retratos, paisajes marinos, escenas domésticas. Pero es cuando Suzuki rompe esta narrativa lineal al confrontarnos con una abstracción que la angustia de su proyecto se vuelve palpable. Estas no son meras ilustraciones de la pérdida de la vista, sino el intento de Suzuki de hacernos ver a nosotros (y a ella misma) a través de los ojos deteriorados de su padre.—Alejandro Merizalde, Asistente de Adquisiciones, Archivos, Biblioteca y Colecciones de Investigación

“Supongo que estoy casi haciendo una película, pero en papel fotográfico”, explica Kurt Tong. Nacido en Hong Kong en 1977, estudió fotografía en Inglaterra y regresó a Hong Kong en 2012 para reconectar con sus raíces chinas. Tong es conocido internacionalmente por dos libros muy aclamados: The Queen, the Chairman and I (2019) y Combing for Ice and Jade (2019). En Dear Franklin, una mezcla de sus fotografías, textos y materiales de archivo (cartas, revistas, objetos, etc.), Tong narra la vida personal de un hombre ficticio llamado Franklin Lung que vivió en China durante la primera mitad del siglo XX. . "Me gusta abordar momentos épicos de la historia a través de una experiencia singular", explica Tong, "y de alguna manera elegí fotolibros para hacerlo".—Clément Chéroux, director de la Fundación Henri Cartier-Bresson y ex curador jefe de Joel y Anne Ehrenkranz, Departamento de Fotografía, MoMA

En Montaña roja, el fotógrafo mexicano César Rodríguez documenta la vida cotidiana en la abandonada región montañosa de Guerrero, México, donde el cultivo de amapola para heroína es una de las pocas fuentes de trabajo remunerado. Rodríguez ofrece sobrios retratos en blanco y negro de los habitantes de la región, capturando momentos de adoración, niños jugando y cultivo de amapola, mientras que la presencia de armas da a entender la violencia provocada por el tráfico de drogas. Un encarte de 12 páginas contiene poesía de Hubert Matiúwàa, quien escribe en me'phaa (tlapaneco), una lengua indígena de Guerrero, con traducciones al español y al inglés. Montaña roja fue publicado por la editorial peruana de fotolibros KWY Ediciones en Lima y producido en la Ciudad de México, donde cada libro, de 500 tiradas, fue doblado y encuadernado a mano, estilo acordeón, con hilo rojo amapola. Según el editor Musuk Nolte, el diseño innovador del libro aprovechó al máximo los recursos disponibles sin sacrificar la calidad.– Ruth Halvey, Patricia Phelps de Cisneros Bibliógrafa para América Latina, Archivos, Bibliotecas y Colecciones de Investigación

Publicada en dos volúmenes, la épica Al río / To the River de Zoe Leonard traza la sección de 1,200 millas del río Grande/Rio Bravo que demarca la frontera entre México y Estados Unidos. Utilizando un punto de vista de “media imagen” para documentar un mundo dividido, el artista sigue el curso del agua desde Ciudad Juárez, México, por un lado, y El Paso, Texas, por el otro, río abajo hasta el Golfo de México.

El primer volumen contiene las exquisitas fotografías de Leonard, seleccionadas por el artista y diseñador de libros Joseph Logan entre más de 500 impresiones en gelatina de plata y 50 impresiones cromogénicas que componen el proyecto completo. Editado por el poeta Tim Johnson, el segundo volumen presenta una antología de ensayos de un notable grupo de artistas, periodistas, académicos y poetas. De tapa blanda con solapas y guardada en un estuche, esta publicación doble forma un retrato complejo de la cultura de las zonas fronterizas y la realidad política de la inmigración.—Roxana Marcoci, curadora principal y curadora en jefe interina de David Dechman, Departamento de Fotografía

¿Qué cualidades encarna el fotolibro ideal? ¿Las imágenes de las páginas opuestas parecen comunicarse entre sí, como si mantuvieran una conversación? ¿Toda la secuencia de imágenes encaja como eslabones de una cadena? En su libro Paare/Pairs, el artista afincado en Hamburgo Jochen Lempert propone un modelo en el que organiza imágenes antiguas y nuevas de su obra en una especie de ecosistema en constante crecimiento. Lempert estudió biología antes de dedicarse a la fotografía en la década de 1990 y continúa interactuando con el mundo natural (las plantas y animales con los que vivimos en este planeta) como tema de su trabajo. Como observa el curador Yasmil Raymond en el ensayo que cierra este elegante volumen, “A través del uso de imágenes, donde el mundo no es un lugar para ser capturado sino un terreno de correspondencia, hace visibles encuentros con la naturaleza y los seres no humanos donde la transmisión y la convivencia ocurre."–Lucy Gallun, curadora asociada de Peter Schub, Departamento de Fotografía

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